介绍一下这些曲风的特点

这首歌不准唱!
admin2019.08.06

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  R&B的全写是Rhythm & Blues,译作「节奏怨曲」或「节奏布鲁斯」。它衍生了多种不同音乐类型,如我们熟悉的RocknRoll,Disco和Rap,都可算是由R&B发展而成。

  那时,负担得起多姿多采娱乐的人不多,热爱音乐的黑人就喜欢茶余饭后聚集街头,以结他和口琴等简单乐器玩奏音乐,一抒生活、工作、离乡别井等种种感受。这就发展出蓝调(Blues)——R&B的前身。

  随著录音带的发明,和越来越多的小型电台出现,蓝调音乐开始跳出黑人圈子,在芝加哥流行起来。不知是否因蓝调音乐说愁说得太久,乐迷都渴望听到节奏感强、调子节拍明快,内容又不太悲伤的蓝调歌曲。

  乐手们顺应大众口味的转变,在作品中加入钢琴、鼓、色士风和当时的超新科技——电子结他,让听众可随著这种节奏感(Rhythm)强的新派蓝调音乐(Blues)起舞,成就了经典的「节奏怨曲」。

  50至60年代重要的R&B乐手有Ray Charles、Ruth Brown和The Drifters等。听他们的经典作品,会发现跟我们熟悉的R&B音乐,如周杰伦、宇多田光等,大大不同。但就音乐元素而言,它们还是有不少共通点。最突出的,就是节奏部份。

  大部份的R&B作品以4拍为一小节,12节为一段落。有别於传统的白人流行音乐,节奏怨曲强调一节中的第2和第4拍,是种很新鲜的节奏效果。

  音质就是声音的「质地」。听到《烂泥》,我们会觉得许志安唱得很悲惨;而木童笛的声音,很多时则会给我们一种很活泼的感觉。这就是不同歌声和乐器的音质所带来的效果。

  在R&B作品中,如周杰伦的《斗牛》或《娘子》,我们都可很容易地发现,不论在音乐或声线运用上,始段和副歌部份都有明显不同的处理。

  歌声和乐器部份经常互相呼应——在R&B歌曲中,当歌手唱出某几个音后,音乐部份或和音歌手会重复再奏/再唱那几个音,像「有问有答」,又或做成「应声虫」似的效果。

  R&B另一特点是,多次重复一些乐句、句子。就如《龙卷风》中连绵不断的「我不、我不、我不」,便是一个很明显的例子。

  50年代的R&B能为美国的白人青年带来震撼,除了因节奏感强烈外,那坦白直接、不忸怩作态的歌词也是主因之一。

  受不同音乐类型、市场、科技和文化的影响,今日R&B已由昔日的街头黑人音乐,演变为攻陷英美欧亚各大销量流行榜的世界大热。

  R&B带来的冲击,不只局限於音乐上,就连我们的时装打扮文化口头襌生活态度行为举动也因著R&B音乐而有著某些改变。Hey man!鸭嘴帽癞屎裤宝黛丽辫仔头,相信你我都不会陌生!就是这样,R&B成了令很多黑人红人黄人白人互相了解、欣赏对方文化的渠道!

  Hip-Hop翻译过来是嘻哈,RAP翻译过来是饶舌,这两个概念不同。Hip-Hop实际上不是音乐名词而是文化名词,包括说唱、涂鸦、街舞和DJ打碟四部分;RAP起源于60年代,而作为音乐理解的Hip-Hop则起源于70年代初,它的前身是RAP(有时候会加一点R(B)。

  Hip-Hop从字面上来看,Hip是臀部,Hop是单脚跳,加在一起就是轻扭摆臀,原先指的是雏形阶段的街舞(也就是我们以前说的霹雳舞),后来才逐渐发展成一种巨大的概念——我们现在说的Hip-Hop文化还包括了那些宽大的衣服、沉甸甸的纯金饰品、平时说起话来就“YoYo?what’s up?”的口语习惯——总之就是那种美国贫民街区里黑人的生活方式以及他们的“范儿”。

  Hip-Hop的起源用一个“穷”字即可概括。为什么要穿大一号的衣服?除了方便运动之外,这种大号衣服的好处就是可以多穿几年;为什么会有涂鸦?这东西最早是街区内各个帮派之间划分势力范围的标志,后来才越来越漂亮精致,发展成了民间艺术;为什么会有街舞?因为他们没钱去舞厅,而且当时种族歧视问题依然存在,有钱也不一定能在白人的舞厅里玩儿得高兴;为什么纯正的Hip-Hop作品以黑色为主且必带粗口?因为这帮街头黑人青年没前途没希望,他们憎恨的比他们爱的要多得多。

  虽然90年代后期Hip-Hop文化才在我们身边崛起,但实际上,早在80年代Hip-Hop风潮就已经开始从美国出发席卷整个西方世界了。1986年,Def Jam唱片公司旗下所属的艺人Beastie Boys、LL Cool J、Public Enemy和Run DMC的“Def Jam巡演”引发了全球性的Hip-Hop热潮。而到了90年代,又出现了Dr.Dre的黑帮说唱、Puff Daddy(吹牛老爹)的Hip-Hop流行化以及Missy Elliott这样的说唱女皇等等无以计数的Hip-Hoper,他们逐渐使这种来自民间的音乐形式成为了主流音乐市场中最重要的组成部分,动辄便可创造上千万张的销量,Hip-Hop音乐成为了美国娱乐产业的创收大户。尤其是90年代末期帅小伙Eminem的出现,身为白人的他在短短一年内成为Hip-Hop界最炙手可热的巨星,彻底打破了Hip-Hop的人种疑问。就像当年需要猫王来证明摇滚乐不仅仅属于黑人一样,Eminem的出现标志着Hip-Hop文化接纳了白人,走向了全世界。

  有人问我Hip-Hop文化在美国是不是也是个时髦的玩意?答案是否。Hip-Hop文化在美国是一种生活方式,就像是我们这里有大院人生、乡村人生和胡同人生。可惜我们在当今世界流行文化的地位不如美国那么重要,要不我们的农民兄弟或者胡同串子们没准儿也能搞出自己的style(我开玩笑的)。

  有很多人认为中文不适合Hip-Hop,因为它的发音从根源上就与英语没有任何相似之处,同时以此为基础得出结论:目前出现的Hip-Hop都是垃圾。我要说这不对,Hip-Hop作品的好坏从根本上说不在于它的节奏、配乐——这些都仅仅是“范儿”而已。Hip-Hop音乐的真正精髓在于它所表达的内容和创作者的态度,在这一点上,有人已经做得很不错了。

  台湾的哈狗帮、大懒堂、L.A四贱客,包括流行些的麻吉兄弟等等都惹人喜爱。比如哈狗帮吧,他们的作品骂过老人、老师、岛内外的流行歌手、甚至还有歌迷和他们自己,但是听了半天你只能说,他们骂得有道理,具备一个Hip-Hoper应有的混帐性情和可爱之处。

  内地的比较重要的混出头的Hip-Hop组合包括CMCB(中国说唱兄弟)、隐藏、功夫、龙门阵团体等等。他们的水准各不相同,也各自具备自己的特色,而他们的共同之处就是说话不带脏字,内容不涉及国家民族,甚至连主流文化都不敢拿出来挤兑(再早一些出道的李小龙、戴兵更是这样)。

  我们都知道他们怕自己的前途会被毁掉,那么你们玩搞笑也可以(事实上CMCB有一首这样的作品,是关于网友见面的,很受欢迎),学学雪村吧,拿鸡毛蒜皮讲段子,必要的时候拿外国领导人开涮……可惜我们现在浮出水面的这些Hip-Hoper总想把自己抬高到街头传教士那个水平,最谦虚的也拿自己当时尚生活和时尚音乐的布道者,内容动辄就是国家大事、人生道理、时尚夜生活(当然是很小儿科很健康的那一类,不带药品、性、械斗、飚车或者别的什么被认为危险的东西)。在第十一届中国歌曲排行榜晚会上,功夫、隐藏、CMCB将Hip-Hop音乐带入了人民大会堂,他们在演出现场高唱道:“功夫、隐藏、CMCB,给中国流行音乐一个前进的力量……”省省吧,先让大家带你玩儿了再说。

  网络上绝对是如火如荼,事实上,内地最好的Hip-Hoper正聚集在网上,那儿几乎不存在限制:搞笑类MC郝雨的《大学自习室》《高等教育》《月亮花朵》;狠到一定地步的沈阳MM(真名不详,网名可能是叫小五)的《超强绝骂》《找回小五》;留学归来人员的《大连站》《留学垃圾》;身份神秘的上海美眉McLucy的《上海K姐》等等都是在民间传播甚广的嘻哈名作。你想知道它们流行到什么地步?上网找个搜索引擎搜一搜,或者去任何一个大学的FTP上转转,有一种开玩笑的说法是:没听过《大学自习室》的大学生不算大学生。

  另外一些比较受欢迎的作品还有安子的《黑色星期五》、周嘉杨的《网络综合症》、肖飞的《是谁搞黄了娱乐圈》、JE的《这才是Hip-Hop》等等,大家可以上网去找找看。

  Hip-Hop本来是一种带有反文化倾向的亚文化形式,它的破坏性和民间性与我们传统意义上的流行文化背道而驰。但是以目前的形势看来,它不但成为了主流文化中的重要组成部分,而且还在迅速地上升、蔓延、发展。究其原因,一种合理的解释是:在我们这个越来越形而下的时代,生活和娱乐需要的不仅仅是感动、纯情、高尚和严肃,我们还需要搞笑、没心没肺、下三滥和敢于藐视一切的无耻作风——我说的是真的,我们的文化生活确实太缺少这些了。如果说中国的Hip-Hop有所谓希望或是发展方向,我相信应该从这些地方入手,以现在这种急于向主流音乐献媚的方式进入市场,恐怕很难有所作为。

  目前主要的嘻哈参与者和受众年龄偏小,大多在1980年左右生人,这批90年代中期上中学时开始接触嘻哈文化的Hip-Hoper将作为中国嘻哈第一代成长下去。随着他们的长大,相信中国的Hip-Hop文化会越来越得到认可,就像是摇滚乐在十几年后的今天已经不再被看作异类,就像日本漫画和电子游戏正在逐渐浮出水面一样。

  Hip-Hop是种文化,并不单一指某种事物。不是说穿着大大的POLO衫,带着APE的帽子,踩着DUNK鞋,脖子上在挂条大链子就是Hip-Hop了,而更重要的为精神。

  Hip-Hop:Hip是屁股,Hop是跳跃的意思,Hip-Hop音乐在70年代专指黑人源于R&B(节奏蓝调),但与R&B截然不同,强调舞厅中D.J.Remix技巧的纯舞曲,这种音乐在80年代由于加上Scratch(将唱片间歇式倒转地放,而发出与唱针摩擦音的特殊效果)及黑人特有的街头式韵角口白形成Rap音乐,因此可以说Hip-Hop是Rap的前身,但今天这两个名词往往可以混用,只是Rap偏重说唱,Hip-Hop则较倾向于指Beat(节拍)明显强烈的流行舞曲。

  Graffiti:涂鸦,在字典中解析就是drawing or writing on a public wall,如今涂鸦艺术的喷画及街头形式传统已对世界艺术家造成了一定的影响。作为一种销售的工具,早期的Hip-Hop舞会宣传总喜欢请涂鸦艺术家来设计传单及海报。但后来至80年代,Hip-Hop已被广泛介绍并为大众接受,有一段时间Hip-Hop并无关于贩卖文化,也并未将早期的涂鸦形式一并带进来。涂鸦里无论是特殊技巧和喷漆的手法,对艺术形式也产生影响,例如墨西哥革命的愤怒涂鸦。而今天,在黑帮泛滥的美国城市,黑道间彼此地盘的警告和暴力的威胁也都透过涂鸦来沟通。

  Indie:Independent的缩写,指的是艺人所属的唱片公司是Independent Label(独立公司),并不像全球五大唱片公司有极为庞大的发行网,可以为歌手作造型、宣传活动等整体设计,由于Major(即五大唱片公司系统)可以为艺人提供最好的录音师、伴奏者等客观环境,定完整的行销计划,因此往往具有能将一个平凡人塑造成大明星的能力,更重要的是在以商业利益为考虑下,大唱片公司旗下的好艺人往往被迫牺牲一些理想与执着。这也就是死硬派摇滚爱好者唾弃Major的商业色彩浓厚,而拥护一些可以让艺人自己制作,依自己理想去出专辑而又不作很多商业宣传的Indie唱片公司的原因。

  50 Cent----大红特红的人物,不用做再多的介绍。好听的歌曲比较多,21 questions最为欣赏。

  Dr. Dre----顶尖制作人兼歌手,在很多Hip-Hop的MV中经常能看到身影,制作过许多非常有名的专集。

  海王星----最早两个人,一个黑种人,一个黄种人。非常的出色,制作过Justin、小甜甜等一系列的专集。

  还有很多出名的乐手,有一些即兴的说唱也非常的好,还有一些非常好的法文说唱,但在早已被英文占据的市场中不是那么的体现出来。中文说唱目前也在发展阶段,目前华语最好的说唱专集公认的为《铁竹堂》,铁竹堂由制作人Micchael林迈可、Jason王威登、Scottie陈恒义、Vince张敖杰四人组成。

  在不到一个世纪的时间内,这种名叫爵士乐,具有显著美国特色的音乐从默默无闻、起源于民间的音乐发展成为美国本土产生的最有份量的艺术种类。如今在全世界几乎每个角落都有人聆听和演奏它,爵士乐以多种形式呈现出繁荣景象,从根源布鲁斯、拉格泰姆(Ragtime),经过新奥尔良爵士乐到Dixieland爵士乐、摇摆乐、主流爵士、比波普、现代爵士到自由爵士及电子爵士。令人惊异的不是爵士乐以如此众多的形式出现,而在于其每一种形式都相当重要,都保持了自己的特色及独具的魅力而流传至今。如果要欣赏各种爵士乐,体会个中种种乐趣,就不能不需要拥有开放的态度,兼容并听。

  爵士乐由民歌发展而来,有多种源头,不易仔细考证。但它的根肯定是由黑人奴隶从非洲带来的。他们从各自的古老文化传统中撕裂开来,将民歌发展成为以歌曲讲故事的一种新的交流形式。美洲的黑人音乐保存了大量非洲特色,节奏特色明显,而且保留了集体即兴创作的特点。这种传统与新居住地的音乐一一大部分是声乐——结合起来,结果诞生的不仅仅是一种新的声音而是一种全新的音乐表达形式。

  最有名的非洲—美洲音乐是宗教性的。这些优美动人的歌曲白人也听,不过比乡村黑人教堂里演唱的这类歌曲多一分上流社会的味道。今天人们所知道的福音音乐(gospel music)更准确地说是反映了早期非洲裔美洲人的情感力量及旋律感,而不是对本世纪起初十年中著名的Fisk Jubilee Singers的音乐中宗教性的继承。

  其它早期的音乐形式包括可以追溯到蓄奴制时代的做工歌曲、儿歌及舞曲,这些都成为重要的音乐遗产,特别要考虑到在当时的制度下,音乐活动受到相当严格的限制。

  在蓄奴制被废,黑人奴隶得到解放以后,非洲—美洲音乐的发展很快。军乐团所弃用的乐器加上新获得的迁徙自由形成了爵士乐的根底:铜管乐、舞曲、布鲁斯。

  布鲁斯作为一种音乐形式看似简单,实际可以有几乎是无穷的变化,一直是任何一种爵士乐的重要组成部分,而且它成功地保持了自身独立的存在。可以说如果没有布鲁斯就不可能有今天的摇滚乐。简单说明一般布鲁斯的特点就是:它以每八或十二小节为一个乐段的音乐所组成,歌词紧密,它的忧郁(蓝色)特色产生的原因是将音阶中的mi音及si音降了半音。实际上,布鲁斯是作为与宗教音乐相对应的一种世俗音乐形式。

  到了十九世纪八十年代后期,在美国绝大多数南部城市内,都出现了黑人铜管乐队、舞曲乐队及音乐会乐队。与此同时,美国北部的黑人音乐倾向于欧陆风格。在该时期,拉格泰姆(Ragtime)开始形成。虽然拉格泰姆主要是在钢琴上弹奏,但是一些乐队也开始演奏它。拉格泰姆的黄金时代大约是在1898年到1908年,但它的时问跨度实际很大,影响绵延不绝。最近,它又被发掘出来,新的拉格泰姆特征是旋律迷人,大量使用切分音,但它的布鲁斯因素几乎荡然无存。拉格泰姆与早期爵士乐联系密切,但可以肯定的是拉格泰姆节奏较为稳定。

  拉格泰姆,特别是淡化爵士色彩的通俗风格,其娱乐对象是中产阶级,为正统音乐人士所不喜。在十九世纪最后十年内,爵士音乐逐渐形成,但当时还不叫爵士(Jazz),它最初被称为Jass,首先出现在美国南部城市黑人工人居住区内。和拉格泰姆一样,爵士乐最初也是作为舞曲出现的。最早成为早期爵士乐同义词的城市是新奥尔良,这种说法有几分真实,但也有几分夸大。

  新奥尔良在爵士乐诞生及发展过程中扮演了一个关键的角色。在这里,对爵士乐早期的历史研究及记录比在其它地方都进行得更加深入。在1895年到1917年这一段时间里,新奥尔良的爵士乐比起其它地方可能是种类更多、更好,但这绝不意味着新奥尔良是产生爵士乐唯一的一个地方。在每一个有相当数量黑人聚居的美国南部城市所产生的音乐都应被视为是早期爵士乐的一种。如在孟菲斯就出现了W.C.Handy(1873-1958)这样一位布鲁斯作曲家和搜集者。其它城市还有亚特兰大、巴尔的摩等。

  当时的新奥尔良显得卓而不群得益于其非常开放及自由的社会氛围。不同信仰及不同种族的人可以相互联络,因此在这种容易沟通的环境下的音乐传统十分丰富,有法国的、西班牙的、爱尔兰的及非洲的。这样,新奥尔良成为孕育爵士乐的肥沃土壤就一点也不奇怪了。

  如果说新奥尔良是爵士乐诞生之地的这种说法虽有夸大,但还不失几分真实的话,那种关于爵士乐是诞生于红灯区的说法则完全是胡说八道。虽然新奥尔良的确曾经使娼业合法化并因此产生了几座全美国最精致和有品味的运动屋,但是在这些地方所演奏的音乐如果有也只是钢琴独奏而已。实际上,人们第一次听到爵士是在与此颇不相同的场所。

  当时,新奥尔良引人注目的是有许多社团及兄弟会式的组织,它们大部分资助或雇佣一支乐队以在不同的场合——如室内或室外舞会、野餐会、商店开张仪式、生日或周年纪念派对上演奏。当然,演奏爵士乐也是葬礼队伍行进的一个特色,一直到今天还是这样。根据传统,乐队集合在教堂门口,演奏着庄严的进行曲及悲伤的圣歌,带领着葬礼队伍向着墓地徐徐前进。在回来的路上,人们的步伐加快,轻快的进行曲和拉格泰姆代替了挽歌。这种列队行进总是能吸引很多人观看,在爵士乐的发展上有重要意义。那些小号手及单簧管手们就是在此时一展其创造天分,而鼓手们也打出了富于节奏性的节拍,这成为使拍子变得摇摆的基础。一般地说,爵士乐都是二拍子的,每小节两拍或四拍。这种二拍子的节奏背景在低音部始终存在,使得爵士乐有一个稳定的、规律的节奏基础。在节奏性低音的上方,则是重音位置不规则的旋律、和声和对位声部,它们惯常使用的切分音效果与规律的低音声部之间形成了强烈的对比。

  在爵士乐的曲调中,除了从欧洲传统音乐、白人的民谣和通俗歌曲中吸取的成分之外,最有个性的是“布鲁斯音阶”(关于这种音阶的结构,我们将在有关布鲁斯的部分专门介绍),而爵士乐的和声可以说是完全建立在传统和声的基础之上,只是更加自由地使用各种变化和弦,其中主要的与众不同之处,也是由布鲁斯和弦带来的。

  爵士乐在使用的乐器和演奏方法上极有特色,完全不同于传统乐队。自“爵士乐时代”以来,萨克斯管成为销售量最大的乐器之一;长号能够奏出其他铜管乐器做不到的、滑稽的或是怪诞的滑音,因而在爵士乐队中大出风头;小号也是爵士乐手偏爱的乐器,这种乐器加上不同的弱音器所产生的新奇的音色以及最高音区的几个音几乎成了爵士乐独有的音色特征;钢琴、班卓琴、吉他以及后来出现的电吉他则以其打击式的有力音响和演奏和弦的能力而占据重要地位。相反,在传统乐队中最重要的弦乐器(小提琴、中提琴、大提琴)的地位相对次要一些;圆号的浓郁音色在管弦乐队中是很迷人的,但是对于爵士乐队来说,它的气质太温顺了,几乎无人使用。在管弦乐队中,每件乐器在音色和音量的控制上都尽量溶入整体的音响之中,在爵士乐队中却恰恰相反,乐手们竭力使每一件乐器都“站起来”。

  乐队的编制很灵活,最基本的是两个部分——节奏组与旋律组。在早期的爵士乐队中,节奏组由低音号、班卓琴和鼓组成,后来,低音号和班卓琴逐渐被低音提琴(倍司)和吉他所取代,钢琴也加入进来。在30年代,兴起一种舞曲乐队,当时称为“大乐队”,它有三部分组成:节奏组、铜管组和木管组。节奏组使用的乐器仍然是低音提琴、吉他、钢琴和鼓;铜管组常见的编制是三支小号和两支长号,但这个数目并不固定;木管组通常由四五支萨克斯管组成,每个人都兼吹单簧管或是别的木管乐器,如果编制是五支萨克斯管,一般是两支中音、两支次中音、一支上低音。还有一种商业性的(有时也称为“甜美型”、“旅馆型”等等)的乐队,编制与“大乐队”差不多,但萨克斯管往往全部用次中音的,木管组会较多地使用其它的乐器(如长笛、双簧管),有时还加上三四个小提琴,在商品录音带中经常可以听到这类乐队的音响。

  与传统音乐比较而言,爵士乐的另一大特征是它的发音方法和音色,无论是乐器还是人声,这些特征都足以使人们绝不会将它们与任何传统音乐的音色混淆。这些特殊之处大多来源于用乐器或人声对美洲黑人民歌的模仿。如果我们有机会听到真正的黑人田间歌曲和灵歌,就会发现那些由粗嘎到圆滑、由窒闷到响亮、由刺耳到柔美、由野蛮到抒情的大幅度的变化是多么地富有特色、动人心魄。而在爵士乐中,更加入了非歌唱的吼声、高叫和呻吟,突出了这种感觉。除此以外,特殊的演奏和演唱技巧也是造成特异效果的重要手段,在这些技巧中最常用的是不同于传统观念的颤音。我们知道,所谓颤音是音高(有时也可能是力度)的有规律的变化造成的;比如小提琴上的揉弦,就是利用这种变化而产生富有生命力的音响效果。爵士乐中的颤音是有变化的,变化的方向一般是幅度由窄到宽,速度由慢到快,而且常常在一个音临近结束时增加抖动的幅度和速度,更加强了这种技巧的表现力。同时,在一个音开始时,爵士乐手们会从下向上滑到预定的音高,在结束时,又从原来的音高滑下来。所有这些变化都是无法用乐谱来详细记录的,有经验的爵士乐手都熟练地掌握了这一类的方法、尤其是这种观念,他们可以根据不同的旋律或伴奏音型将这些效果“制造”出来。因此可以这样说:由于即兴的传统和技巧的个人发挥,爵士乐是由作曲家和乐手共同创造的。受过传统教育的音乐家之所以很难表演爵士乐,就是因为他们没有培养出这样的特殊的音乐观念。如果我们细心地比较一下真正的民间歌手和受过正规训练的歌手演唱同一首民歌的差别,对此中的含义就会有一个更直观的概念。

  从爵士乐诞生之初,它就吸引了众多的转业作曲家。1920年,美国指挥家保罗·怀特曼组织了一支著名的乐队,将改编的爵士乐作品带进了音乐厅。这种新潮流引起了许多“严肃”的爵士乐爱好者的激烈反对,然而,正是从这以后,爵士乐在美国和欧洲家喻户晓,受到广泛的欢迎。格什温的《蓝色狂想曲》在这时诞生,为这部作品配器的人就是怀特曼乐队的作曲家格罗菲。按照手稿上的记录,写这部作品只用了三个星期,演出后几乎是立即引起轰动。欧洲作曲家也有许多以爵士乐为基础或是受爵士乐影响的作品,例如:德彪西的钢琴曲《丑黑怪步态舞》(1908)、《游吟诗人》(1910)、《怪人拉维纳将军》(1910);拉威尔的小提琴奏鸣曲中的慢乐章(布鲁斯);斯特拉文斯基的《11件独奏乐器的雷格泰姆》(1919)、《士兵的故事》(1918)、《黑木协奏曲》;欣德米特的《室内乐第一号》(作品24,无调性)和钢琴组曲(1922)。

  在当代中国,广大爱乐者有着极大的自由来欣赏自己感兴趣的音乐,而爵士乐无疑已经成为越来越多的爱乐者关注、喜爱甚至痴迷的一个音乐大类。与古典音乐相比,爵士乐与生俱来的平民化血统使它更加贴近普罗大众,连引车卖浆之流都可以亲近它,酒吧饭馆处处可闻其声,而与摇滚乐等当代流行音乐相比,爵士乐又似乎有着更为深邃的情感以及更为深沉与蕴蓄的表现形式,或轻摇款摆,或重拍如磐,自有醉人妙处······比古典音乐“俗”,比流行音乐“雅”——爵士乐这种寓雅于俗、以俗见雅的“中间化”特点,使得它能够轻易罗致包括众多古典音乐迷和流行音乐迷在内的广大受众,而在当代中国,爵士乐欣赏热潮正是方兴未艾。

  老实说,爵士乐听得愈多,我就愈感到自己的孤陋寡闻、知识浅薄——爵士乐生息百年,流派众多,名家无数,佳作纷呈,穷尽余生数十载亦不能听完呵!爵士乐是个不折不扣的音乐宝库,其内容之广博其流派之繁盛实在是不能尽数。

  正因为爵士乐浩瀚如海洋,所以,初听爵士、尚待入门的读者朋友还须找到合适的方法,从要处着眼入手,最终才能登堂入室、窥其秘奥。

  学过外语的朋友都知道什么是“泛听”。我把“泛听”这个词借用过来,意思是说朋友们在刚开始接触爵士乐的时候完全可以让自己的精神与注意力分散一些,可以一边干其他事一边有一搭没一搭地听爵士乐,稍微领略一下作品所内含的情感、精神以及表层特点(如编曲配器、节奏特点、音阶特点等),稍有所得即可,不必正儿八经地专心去听。

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